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La Galerie Corsini (Galleria Corsini) est située dans le Palais Corsini (Palazzo Corsini), datant du XVe siècle, dans le quartier du Trastevere. Le bâtiment d’origine a été modifié de 1659 à 1689. Il a servi de résidence à la reine Christine de Suède, qui a vécu à Rome de 1654 jusqu’à sa mort en 1689.
Par ailleurs, ce musée d’art fait partie de la collection Arte Antica d’Italie, à laquelle la famille Corsini a fait don de la plupart des chefs-d’œuvre au XIXe siècle.
Histoire
Le palazzo du XVe siècle, situé dans le quartier du Trastevere, a servi de palais de résidence à la reine Christine de Suède, qui a abdiqué son trône et vécu à Rome pendant 35 ans. Aujourd’hui, le Palais Corsini abrite la première moitié des peintures de la Galerie nationale de Rome (Galleria Nazionale d’Arte Antica), tandis que l’autre partie se trouve au Palais Barberini.
La plupart des œuvres sont dues à des artistes italiens des XVIe et XVIIe siècles.
Le bâtiment a commencé à appartenir à la famille Corsini lorsque Lorenzo Corsini est devenu pape en 1736 sous le nom de Clément XII. Il a chargé l’architecte Ferdinando Fuga de restructurer le bâtiment et de l’agrandir.
En 1883, la Galerie Corsini est devenue la première galerie nationale d’Italie et ses collections ont été données au Royaume d’Italie nouvellement formé.
Aujourd’hui, une partie du palais abrite l’Accademia dei Lincei. Par ailleurs, la bibliothèque de l’Académie conserve une collection de livres du cardinal Neri Corsini. De plus, le jardin accueille aujourd’hui le Jardin botanique de Rome.
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Que voir à l’intérieur – 25 œuvres majeures
- Disputa di Gesú fra i dottori de Luca Giordano – Une représentation dynamique et vibrante de Jésus disputant avec les docteurs, qui montre la maîtrise de Giordano dans la composition dramatique et les couleurs vives.
- Trittico (Ascensione, Giudizio Universale, Pentecoste) de Beato Angelico – Un magnifique triptyque représentant trois événements importants de la théologie chrétienne, reflétant la profondeur spirituelle et l’art détaillé d’Angelico.
- Giuditta e Oloferne de Giambattista Piazzetta – Une représentation puissante et dramatique de Judith décapitant Holopherne, qui met en valeur l’habileté de Piazzetta à créer des scènes intenses et chargées d’émotion.
- Battesimo di Cristo d’Alessandro Algardi – Une représentation sereine et divine du baptême du Christ, qui reflète la capacité d’Algardi à transmettre des thèmes spirituels avec grâce et précision.
- Il supplizio di Prometeo de Salvator Rosa – Une scène dramatique et intense du supplice de Prométhée, qui montre le talent de Rosa pour saisir l’émotion brute et le mouvement.
- Madonna col Bambino d’Orazio Gentileschi – Une représentation tendre et intime de la Vierge à l’Enfant, qui met en évidence l’usage délicat de la lumière et de la couleur par Gentileschi.
- San Sebastiano curato dagli angeli de Pieter Paul Rubens – Une représentation puissante et inspirante de saint Sébastien soigné par des anges, reflétant la composition dynamique et la palette de couleurs vibrante de Rubens.
- San Giovanni Battista du Caravage – Une représentation dramatique et intense de saint Jean-Baptiste, qui montre l’usage caractéristique du clair-obscur et du réalisme par le Caravage.
- Venere raggiunge Adone morente de Jusepe de Ribera – Une scène émouvante et chargée d’émotion de Vénus rejoignant Adonis mourant, qui met en valeur l’habileté de Ribera à représenter la souffrance humaine et l’intervention divine.
- Il tributo della moneta de Mattia Preti – Une représentation détaillée et expressive de la scène du tribut, qui montre la maîtrise de Preti en matière de composition et d’éclairage dramatique.
- Polittico con Madonna con Bambino de Giovanni da Milano – Un polyptyque de la Vierge à l’Enfant magnifiquement détaillé et serein, qui reflète le style raffiné et délicat de da Milano.
- Madonna della paglia d’Antoon Van Dyck – Une représentation tendre et intime de la Vierge à l’Enfant, qui montre le talent de Van Dyck pour saisir l’émotion et le détail.
- Adorazione dei pastori de Jacopo Bassano – Une représentation vibrante et détaillée de l’Adoration des bergers, qui met en valeur la capacité de Bassano à transmettre la chaleur et la lumière divine.
- Lo spuntino elegante de Christian Berentz – Une nature morte élégante et raffinée, qui saisit l’élégance et le détail du style de Berentz.
- Allegoria dei quattro elementi – L’aria, L’acqua, La Terra, Il fuoco de Rosalba Carriera – Une représentation détaillée et symbolique des quatre éléments, qui met en valeur la technique raffinée et délicate de Carriera.
- Trono Corsini – Un trône élaboré et majestueux, représentant l’opulence et la grandeur de la famille Corsini.
- Salomè con la testa del Battista de Guido Reni – Une représentation dramatique et intense de Salomé tenant la tête de Jean-Baptiste, qui reflète la maîtrise de Reni dans le rendu de l’émotion et de la lumière.
- La lepre de Hans Hoffmann – Une représentation détaillée et réaliste d’un lièvre, qui montre l’habileté de Hoffmann à saisir le monde naturel.
- Negazione di Pietro de Jusepe de Ribera – Une représentation puissante et émouvante du reniement de Pierre, qui met en valeur le talent de Ribera pour saisir la vulnérabilité humaine.
- Madonna del latte de Bartolomé Esteban Murillo – Une représentation tendre et intime de la Vierge allaitant l’Enfant, qui reflète le style doux et chaleureux de Murillo.
- San Pietro liberato dall’angelo de Johann Heinrich Schönfeld – Une scène dramatique et divine de la libération de saint Pierre, qui montre l’habileté de Schönfeld à créer des compositions dynamiques et émouvantes.
- Il trionfo del poeta Ovidio de Nicolas Poussin – Une représentation majestueuse et détaillée du triomphe du poète Ovide, qui met en valeur la composition classique et le style raffiné de Poussin.
- Sacra Famiglia con san Giovannino de Fra’ Bartolomeo – Une représentation sereine et harmonieuse de la Sainte Famille, qui montre la composition délicate et équilibrée de Bartolomeo.
- Sant’Agata risanata in carcere da san Pietro de Giovanni Lanfranco – Une scène dramatique et inspirante de sainte Agathe guérie par saint Pierre, qui reflète le style dynamique et expressif de Lanfranco.
- Coppa Corsini, kantharos con Judicium Orestis – Un kantharos magnifiquement travaillé représentant le jugement d’Oreste, qui montre le savoir-faire artistique
Saint Jean-Baptiste du Caravage
Vers 1605, le Caravage a traité saint Jean-Baptiste dans deux compositions : l’une conservée dans la galerie de Kansas City et la seconde à la Galerie nationale de Rome. La première est organisée verticalement, tandis que la seconde est horizontale. Dans la version romaine, un seul tronc de cyprès se trouve à gauche, tandis que la version de Kansas City est placée devant de nombreuses plantes. Les deux chefs-d’œuvre sont indéniablement impressionnants.
Guido Reni, à son tour, a créé « Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste » 30 ans après le Caravage, en 1630-1635.
Le peintre bolonais a représenté l’un des récits du Nouveau Testament. Salomé, la fille d’Hérodiade, a plu à son père, Hérode Antipas, en dansant lors de la célébration de son anniversaire ; il a promis d’exaucer son souhait. Cependant, poussée par sa mère vengeresse, Salomé a demandé la tête de Jean-Baptiste, qu’Hérode avait fait emprisonner pour avoir condamné son mariage. Le tableau illustre donc le moment où la tête du saint est présentée à la jeune fille.
Voir aussi une liste des œuvres du Caravage visibles à Rome.
Hôtels rapport qualité-prix près de Palais Corsini
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